Những tác phẩm nghệ thuật rất đáng để xem ở Tate Britain
Ophelia - Ngài John Everett Millais, 2/1851
Bức tranh ghi lại khoảnh khắc của Hamlet khi Ophelia gieo mình xuống một con suối sau khi phát điên lên bởi sự thật rằng người yêu của cô đã sát hại cha cô. Xung quanh cô là các loài hoa biểu tượng: hoa violet biểu thị sự trong trắng, cái chết của anh túc và cây liễu, cây tầm ma và hoa cúc vô tội. Là thành viên của Pre-Raphaelite Brotherhood, Millais dành riêng để quan sát vẻ đẹp tự nhiên của thế giới xung quanh chúng ta, nhưng cũng trong vỏ bọc của những người phụ nữ xinh đẹp. Elizabeth Siddal (người sau này kết hôn với Rossetti) làm người mẫu cho bức tranh. Cô được yêu cầu tạo dáng trong khoảng thời gian 4 tháng, nằm trong bồn nước. Điều này khiến cô bị cảm nặng đến mức cha cô dọa sẽ kiện, trừ khi nghệ sĩ thanh toán hóa đơn y tế cho cô.
Người phụ nữ ngồi trên áo - Henry Moore, 8/1957
Với cách xếp nếp tuyệt đẹp, tác phẩm điêu khắc này gợi nhớ lại thời cổ đại xa xưa, đồng thời thực thi chủ nghĩa hiện đại cụ thể của Moore. Nó là một trong số những phôi có hình dáng với tỷ lệ méo mó, với phần thân quá rộng và phần đầu giống như khối. Tư thế đóng băng bất thường là một bài tập về chủ nghĩa hình thức, và có nhiều ý nghĩa hơn đối với Elgin Marbles. Cả hai đều có chung cảm giác về sự chuyển động giống như cuộc sống, như thể họ đã bị đóng băng trong thời gian.
Chủ tịch - Allen Jones, 1969
Loạt 'đồ nội thất' gây tranh cãi của nghệ sĩ nhạc pop người Anh đã gây ra sự phẫn nộ vì tôn sùng cơ thể phụ nữ, kể từ khi ba tác phẩm được triển lãm lần đầu tiên vào năm 1970. Cùng với Ghế, nghệ sĩ đã sản xuất một chiếc bàn và một giá đỡ mũ, có kích thước đầy đủ, ma nơ canh ngực khủng trong các tư thế khiêu dâm tương tự. Bức tranh cũ đã trở nên khét tiếng nhất vì nó đã bị phá hoại bằng vũ nữ thoát y trong cuộc triển lãm năm 1986 của Tate's Forty Years of Modern Art. Tác phẩm điêu khắc vẫn có khả năng gây chấn động ngày nay, với một số người cho rằng nó tượng trưng cho sự áp bức phụ nữ, trong khi những người khác xem nó như một đối tượng quan trọng trong lịch sử nghệ thuật.
The Pond - LS Lowry, 1950
Cái tên LS Lowry đồng nghĩa với những khung cảnh công nghiệp của người Anh với những 'người đàn ông bán diêm' đặc trưng của anh ta. Mặc dù các bức tranh của ông bắt nguồn từ chủ nghĩa hiện thực, mô tả cuộc sống của những cộng đồng bình thường ở các thị trấn thành thị miền Bắc bị thống trị bởi các nhà máy, nhưng ông thực sự thích làm việc thẳng lên một tấm vải trắng, xây dựng các họa tiết khi ông đi dọc theo. Người nghệ sĩ đã mô tả bức tranh về tác phẩm này: 'Tôi không hề biết mình sẽ đặt gì vào khung vẽ khi bắt đầu bức tranh nhưng cuối cùng nó đã xuất hiện như bạn thấy. Đây là cách tôi thích làm việc nhất'.
Hy vọng - George Frederic Watts, 1886
Bất chấp tiêu đề lạc quan của nó, bức tranh này ẩn chứa sự mơ hồ. Nhân vật bị bịt mắt có vẻ mệt mỏi hoặc kiệt sức, cầm một cây đàn lia đã bị đứt tất cả trừ một trong những sợi dây của nó. Watts được biết đến với việc tạo ra các tác phẩm phantasmagorical vượt qua bất kỳ thời gian hoặc địa điểm cụ thể nào, và ở đây người phụ nữ bị cô lập này xuất hiện ngồi trên đỉnh của một quả địa cầu không thể phân biệt được. Đây là một trong hai tác phẩm ngụ ngôn được tạo ra bởi nghệ sĩ và trợ lý của ông, nhưng phiên bản thứ hai này được coi là cao cấp hơn do biểu cảm tuyệt vời trên khuôn mặt của người phụ nữ, cũng như việc loại bỏ một ngôi sao nhỏ, khiến tính biểu tượng của tác phẩm quá nặng.
Hình ghế - Francis Bacon, 1961
Ngoài việc phơi bày những vùng tối tăm nhất của tâm trí Bacon cũng quan tâm đến không gian hình ảnh. Vì vậy, anh ấy thường sử dụng một thiết bị tạo khung hình không chỉ cô lập đối tượng mà còn mời người xem nhìn xa hơn lĩnh vực tượng hình. Các đường nét trên khuôn mặt của người mẫu vô danh vặn vẹo này được tô vẽ quá đà, dẫn đến khuôn mặt rời rạc nhiều góc cạnh. Cách xử lý này đã trở thành thương hiệu của nghệ sĩ trong thời kỳ này và ám chỉ đến sự mong manh kỳ lạ của con người.
Thiên thần đứng trong mặt trời - JMW Turner, 1846
Khi bước vào những năm cuối đời, Turner trở nên bận tâm với những khái niệm về cái chết, cũng như những câu chuyện trong kinh thánh về quả báo chính đáng. Bức tranh này là sự kết hợp tuyệt vời của ông về ánh sáng và màu sắc, điều này đã trở thành nguyên nhân gây ra nhiều tranh cãi trong mắt các nhà phê bình của ông. Nhiều đồng nghiệp của Viện Hàn lâm Hoàng gia cho rằng tính lưu loát mới của ông là thô thiển hoặc thô tục, nhưng Turner đã tận tâm với cách nhìn thế giới mới này. Trong tác phẩm này, Tổng lãnh thiên thần Michael cầm thanh kiếm của mình, sẵn sàng giết chết những kẻ tội lỗi bên dưới. Bầu trời xoáy lộng lẫy dường như đang bốc cháy, và Turner sử dụng cái chạm nhẹ nhất trên bàn chải của mình để ám chỉ đến đám đông kinh hãi đang cố gắng chạy trốn khỏi sự hỗn loạn không thể tránh khỏi.
A Bigger Splash - David Hockney, 1967
Khi Hockney đến California lần đầu tiên một năm sau khi tốt nghiệp Đại học Nghệ thuật Hoàng gia, anh đã rất ngạc nhiên khi phát hiện ra rằng mọi người đều có một bể bơi - một khái niệm gây sửng sốt đối với một thanh niên từng có cuộc sống khắc khổ và lạnh lẽo ở Anh. Các hồ bơi nhanh chóng trở thành một chủ đề thường xuyên cho người nghệ sĩ, vì anh ấy rất thích cố gắng thể hiện nước. Bức tranh này là bức tranh lớn nhất trong số ba tác phẩm 'giật gân', tất cả đều mô tả kiến trúc những năm 1960 cùng với màu sắc đậm, ấn tượng. Tác phẩm hiện đang được trưng bày tại Pompidou ở Paris và cũng sẽ có mặt ở Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, trước khi trở về nhà.
Cuộc giải cứu Andromeda - Henry C Fehr, 1893
Tác phẩm điêu khắc ấn tượng này mô tả truyền thuyết Hy Lạp vào thời điểm Perseus cứu Andromeda khỏi bị một con quái vật biển nuốt chửng. Anh ta nắm giữ phần đầu đã bị cắt rời của Medusa, người có quyền năng biến bất kỳ sinh vật nào thành đá bằng cái nhìn của cô ấy, cũng như một con dao găm khá lớn. Bố cục khác thường cân bằng giữa ba nhân vật chồng lên nhau, với Andromeda tội nghiệp bị xích vào một tảng đá, bên dưới trận chiến. Do kích thước của tác phẩm điêu khắc, nó đã được chuyển vĩnh viễn ra bên ngoài vào năm 1911, khiến người nghệ sĩ phải kinh ngạc.
No Woman, No Cry - Chris Ofili, 1998
Bức tranh khổng lồ này là để tưởng nhớ mẹ của Stephen Lawrence, người đã bị sát hại trong một cuộc tấn công phân biệt chủng tộc vào năm 1993; nó đã giành được giải thưởng của Ofili the Turner năm năm sau đó. Bức tranh khóc của Doreen Lawrence được đặt trên bối cảnh cắt dán được làm từ các bản sao cắt ghép của bức tranh Bridget Riley, và mỗi giọt nước mắt lớn của cô đều có hình ảnh của con trai cô. Bức tranh được đặt trên hai miếng phân voi lớn, một chất liệu mà Ofili đã sử dụng rộng rãi trong các tác phẩm đầu tiên của mình. Ngoài việc nhắc lại một sự kiện cụ thể, kinh hoàng, tác phẩm cũng ám chỉ đến nỗi đau thương chung.
