11 kiệt tác nghệ thuật bạn chỉ có thể thấy ở Milan
Bộ sưu tập nghệ thuật ở Milan cung cấp một bài học lịch sử, từ những bậc thầy cũ của thời Phục hưng cho đến những người theo thuyết vị lai hiện đại với sự hiện đại trong cuộc chiến tranh thế giới I. Ý là nơi có một bộ sưu tập những người có tầm nhìn tuyệt vời trong nhiều thế kỷ và vĩnh viễn của Milan bộ sưu tập tự hào có nhiều kho báu nghệ thuật, với các tác phẩm nổi tiếng của Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Canaletto, Caravaggio, Francesco Hayez và Umberto Boccioni, ngoài ra còn có những tác giả khác.
'Madonna of the Book' của Sandro Botticelli (khoảng năm 1480) tại Bảo tàng Poldi Pezzoli
Mặc dù thực tế là tác phẩm nổi tiếng nhất của ông, Sự ra đời của sao Kim (giữa những năm 1480), có các nhân vật thần thoại Hy Lạp, oeuvre của Sandro Botticelli chủ yếu liên quan đến biểu tượng Kitô giáo. Một người đàn ông tôn giáo sâu sắc, anh ta đã tham gia vào sự kiện năm 1497 được gọi là Bonfire of the Vanities, trong thời gian đó anh ta phá hủy trong một bức tranh rực rỡ của riêng mình với chủ đề ngoại giáo. Madonna of the Book, một trong ba tác phẩm được trưng bày tại Milan, mô tả một Mary đang ngậm ngùi ôm đứa trẻ khi cô đọc từ một cuốn sách sùng đạo. Chiếc áo choàng lapis lazuli của cô phát sáng với sự ấm áp của bầu trời hoàng hôn tỏa ra từ cửa sổ khi Chúa Giêsu trẻ tuổi ngước lên trong sự ngưỡng mộ. Bức tranh tiêu biểu cho thời kỳ trưởng thành của Botticelli, được đánh dấu bằng một sự tĩnh lặng mà sau đó được thay thế bằng một cường độ của đức tin.
Sandro Botticelli (khoảng 1445 - 1510) Họa sĩ người Ý của trường phái Florentine trong thời kỳ Phục hưng đầu tiên, 'I,' Madonna của cuốn sách '1483
'Bữa tối cuối cùng' của Leonardo da Vinci (1498) tại Chiesa Santa Maria delle Grazie
Bữa ăn tối cuối cùng của Leonardo da Vinci là một trong những hình ảnh lâu dài nhất trong kinh điển phương Tây. Bức tranh tường nằm trong khu tái thiết của Di sản Thế giới UNESCO Chiesa Santa Maria delle Grazie (Holy Mary of Grace). Một cảnh đầy kịch tính, nó có 12 sứ đồ của Chúa Giêsu phản ứng với tin tức rằng một trong số họ sẽ phản bội ông. Sử dụng các kỹ thuật tiên tiến trong phối cảnh, Leonardo thêm chiều sâu bằng cách cho phép mỗi diễn viên phản ứng theo cảm xúc của riêng mình. Peter có vẻ giận dữ và John ngất đi, trong khi Giuđa có khuôn mặt trong bóng tối. Thật không may, bức tranh vật lý đã không chịu đựng được cũng như danh tiếng của nó. Được sơn bằng cách áp dụng tempura cho thạch cao khô, The Last Supper đã đi chệch khỏi các kỹ thuật bích họa truyền thống, cho phép mức độ chi tiết, ánh sáng và bóng tối vượt trội, nhưng khiến sơn bị sứt mẻ chỉ sau nhiều thập kỷ. Nó đã được khôi phục nhiều lần trong nhiều năm và vẫn sống sót sau sự lãng quên, các cuộc chiến tranh Napoleonic và ném bom của Đức Quốc xã. Du khách chỉ được nhận 15 phút một lần, với sức chứa tối đa 30 người tại bất kỳ thời điểm nào, nhưng chuyến đi đến Milan vẫn chưa hoàn thành mà không thấy kiệt tác này.
'Cuộc hôn nhân của trinh nữ' (1504) của Raphael tại Pinacoteca di Brera
Hôn nhân của Trinh nữ thể hiện tầm nhìn và tính chính xác sáng tác vô song của Raphael, và được biết đến như một trong những ví dụ điển hình nhất về bức tranh phối cảnh thời Phục hưng Ý. Trong khi tiền cảnh của bức tranh mô tả cảnh hôn nhân tẻ nhạt, việc sử dụng phối cảnh của Raphael làm cho ngôi đền ở hậu cảnh là trọng tâm thực sự của tác phẩm. Kiến trúc của ngôi đền 16 vòm cho thấy ảnh hưởng của kiến trúc sư hàng đầu thời Phục hưng Donato Bramante, cũng như họa sĩ Piero della Francesca. Mỗi yếu tố của Hôn nhân của Trinh nữ được thực hiện theo trật tự toán học, và công nghệ hồng ngoại gần đây đã tiết lộ một khối lượng dày đặc các đường hội tụ trên cửa đền. Những dòng này tuân theo các khuyến nghị của chuyên luận trước 1500 của Piero De Prospectiva Pingendi ( Về quan điểm của hội họa ). Sau đó, thật phù hợp khi bạn có thể xem bức tranh của Raphael bên cạnh bàn thờ Montefeltro của Piero tại Pinacoteca di Brera. Sự kết hợp này làm nổi bật truyền thống chung của hai nghệ sĩ, cả hai bắt đầu tập luyện theo truyền thống phối cảnh của thành phố Urbino.
Hôn nhân của Trinh nữ 1504 của Raffaello Sanzio (Raphael) Actif 1483-1520 Thế kỷ 15-16, Ý, Ý.
'Pietà Rondanini' của Michelangelo (1564) tại Bảo tàng Pietà Rondanini, Castell Sforzesco
Pieta Rondanini là tác phẩm cuối cùng của bậc thầy Phục hưng Michelangelo. Tác phẩm điêu khắc bằng đá cẩm thạch trắng tái hiện chủ đề của Mary thương tiếc trên cơ thể tiều tụy của Chúa Kitô đã chết, mà nghệ sĩ đã tiếp cận lần đầu tiên vào năm 1499 của mình. Mary ôm Chúa Kitô trong một vòng tay yêu thương và những nhân vật thon dài dường như hợp nhất với nhau. Việc chạm khắc chưa bao giờ kết thúc, nhưng sự đơn giản của tác phẩm lại đẹp đến ám ảnh.
'Bữa ăn tối tại Emmaus' (1606) của Caravaggio tại Pinacoteca di Brera
Supper at Emmaus (1606) là tác phẩm chuyển thể từ một chủ đề mà Caravaggio đã thử lần đầu tiên năm năm trước trong một bức tranh cùng tên, được xem tại Phòng trưng bày Quốc gia ở London. Nỗ lực thứ hai này được cho là đã được tạo ra trong khi họa sĩ đang lưu vong về tội giết người. Hình ảnh mô tả cảnh trong Kinh thánh khi Chúa Giêsu Kitô, phục sinh, tỏ mình ra cho hai môn đệ của mình. Tác phẩm là minh chứng cho sự làm chủ ánh sáng của Caravaggio, với chiaroscuro kịch tính - kỹ thuật mà ông đã giúp đổi mới, tương phản ánh sáng táo bạo với bóng tối - nhấn mạnh cường độ của khoảnh khắc thiêng liêng này. Phiên bản sau này thường được coi là kiệt tác thực sự bởi vì bầu không khí cao độ và cảm giác thân mật hơn.
Canaletto 'Cầu tàu hướng tới Riva degli Schiavoni với Cột Thánh Mark' (trước năm 1742) tại Pinacoteca, Castell Sforzesco
Canaletto là một bậc thầy của trường phái hội họa Venice của Ý, và bức tranh về đầm phá này bởi Quảng trường Saint Mark ở Venice là một kiệt tác trong khí quyển. Các chi tiết to lớn và chiều sâu của công trình ghi lại hoàn hảo sự nhộn nhịp của cuộc sống trong thành phố, đồng thời bày tỏ sự tôn vinh vẻ đẹp lộng lẫy của tượng đài và cung điện của quảng trường. Canaletto đạt được mức độ chân thực này với sự hỗ trợ từ máy ảnh tối tăm, bước đầu tiên trong những gì sẽ trở thành phát minh của nhiếp ảnh.
Đầm phá và Quảng trường Saint Mark là một chủ đề yêu thích của nghệ sĩ và ông đã vẽ một số biến thể khác, bao gồm Cầu tàu hướng tới Mint với Cột Saint Theodore, cho thấy hình vuông từ phía đối diện. Trong Pinacoteca tại Castell Sforzesco, bạn có cơ hội hiếm có để xem hai bức tranh cùng với nhau. Cả hai tác phẩm vẫn nằm trong khung mạ vàng từ thời điểm vận hành vào năm 1742. Cũng được xem tại Milan (tại Pinacoteca di Brera) là cái nhìn của Canaletto về Grand Canal Nhìn về phía trước Punta della Dogana (1740-1745).
'The Kiss' của Francesco Hayez (1859) tại Pinacoteca di Brera
Bức tranh nổi tiếng nhất của Francesco Hayez, The Kiss là biểu tượng của một thời kỳ ngắn ngủi lạc quan và cảm giác tự do ở nước Ý trẻ nổi lên từ Chiến tranh Độc lập lần thứ hai. Tác phẩm được công bố trong Triển lãm Brera năm 1859, ngay sau khi Victor Emanuel II và Napoleon III vào Milan. Cái ôm nồng nàn giữa một người an ủi và một thiếu nữ được cho là tượng trưng cho tình yêu của quê hương và niềm say mê đối với cuộc sống. Khung cảnh lấy cảm hứng từ thời trung cổ là điển hình của chủ nghĩa lãng mạn thế kỷ 19, trong khi màu sắc xa hoa phản ánh việc được đào tạo sớm của Hayez ở Venice, nơi bố cục màu sắc và xử lý ánh sáng là ưu tiên. Thật vậy, các nếp gấp được chiếu sáng của chiếc váy màu xanh làm nổi bật khung cảnh với cảm giác thanh thản. Trong những năm tiếp theo Hayez đã vẽ một số phiên bản khác của The Kiss (bao gồm một phiên bản cho chính mình), nhưng bản gốc tại Brera có ý nghĩa lịch sử đặc biệt.
Francesco Hayez - Nụ hôn - WGA11218
Giuseppe Pellizza da Volpedo 'Bất động sản thứ tư' (1898-1902) tại Museo del Novecento
Bức tranh này là một ví dụ điển hình của chủ nghĩa hiện thực xã hội thế kỷ và đánh dấu cuộc xung đột kinh tế xã hội và chính trị đã ảnh hưởng đến Ý trong những năm đó: hậu quả của sự thống nhất, công nghiệp hóa và kết quả của cuộc đấu tranh của cả hai tầng lớp lao động thành thị và nông thôn. Bất động sản thứ tư là một thuật ngữ chỉ một lực lượng chính trị xã hội không được công nhận, và đó là những gì được thể hiện trong bức tranh - chủ đề là cuộc biểu tình công khai của một công nhân (có lẽ là) ở Volpedo, Piedmont, nơi nghệ sĩ sinh ra. Pellizza vinh danh một giai cấp vô sản cao quý và mạnh mẽ, quần chúng nhân dân tiến lên một cách hòa bình. Bảng màu đất của nâu, xám và xanh lá cây thừa nhận sự nghèo nàn của người dân, nhưng họ vẫn được tắm trong ánh sáng. Bất động sản thứ tư là đỉnh cao của một thời gian dài nghiên cứu của các nghệ sĩ về chủ đề quyền của người lao động và cải cách xã hội. Sức mạnh và sự hiện diện của kiệt tác cuối cùng này được tăng cường bởi quy mô của khung vẽ, đó là một tượng đài lớn 283cm x 500cm (111in x 197in).
'Độ co giãn' của Umberto Boccioni (1912) tại Museo del Novecento
Futurism, phong trào trong đó Umberto Boccioni đóng một vai trò quan trọng, được hình thành như một lực lượng của cả sự đổi mới nghệ thuật và chính trị. Đó không chỉ là một sự đổi mới của hình thức nghệ thuật, mà còn là một sứ mệnh trẻ hóa văn hóa và xã hội. Hệ tư tưởng tương lai được sinh ra từ sự bất mãn trong những thập kỷ cuối của thế kỷ 19, khiến nước Ý bị tụt lại phía sau trong sự phát triển hiện đại và tranh giành của đế quốc châu Âu. Bản tuyên ngôn năm 1910 của nhóm, do Boccioni đồng sáng tác, tuyên bố, trong mắt các quốc gia khác, Ý vẫn là một vùng đất của người chết, một Pompeii rộng lớn, trắng xóa với những vùng kín. Nhưng Ý đang được tái sinh. Sự hồi sinh chính trị của nó sẽ được theo sau bởi sự hồi sinh về văn hóa. Độ co giãn của Boccioni mang lại hình thức họa sĩ cho tình cảm không lay chuyển này. Công việc này là một sự tôn kính đối với hiện đại hóa công nghiệp - một con ngựa cơ bắp lao vào tương lai, có những nhà máy trên đường chân trời và bộ máy xây dựng kim loại nổi lên từ những đám khói. Boccioni đã mượn các máy bay Cuba của Paul Cezanne và Georges Braque để truyền đạt sự chuyển động và trạng thái thông lượng. Trong Độ co giãn, các dạng hình học đầy màu sắc tạo ra sự năng động quyến rũ. Cùng với tác phẩm điêu khắc bằng đồng quy mô lớn Các hình thức liên tục trong không gian (1913), cũng nằm trong bộ sưu tập tại Museo del Novecento, Tính đàn hồi là một trong những tác phẩm quan trọng nhất của Boccioni và không thể bỏ qua.
Chu kỳ Fresco (1500s) tại Chiesa di San Maurizio al Monastero Maggiore
Ở Chiesa di San Maurizio al Monastero Maggiore, một tu viện Benedictine ở Milan, có một chu kỳ bích họa rất ấn tượng, nó có biệt danh là 'Nhà nguyện Sistine của Milan'. Nội thất ngoạn mục đánh dấu sự phát triển của hội họa ở Bologna trong suốt những năm 1500, với sự đóng góp của Bernardino Luini và các con trai của ông Aurelio, Evangelista và Giovan Pietro; Boltraffio; và Simone Peterzano.
Frieze vẽ trên tường và trần của Chiesa di San Maurizio al Monastero Maggiore
Bộ sưu tập vĩnh viễn của thiết kế Ý tại Bảo tàng thiết kế Triennale
Trong một thành phố đồng nghĩa với thiết kế, sẽ là sai lầm nếu không vinh danh nhiều kiệt tác thiết kế của Ý. Bảo tàng Thiết kế tại không gian nghệ thuật đương đại Triennale Milano lưu giữ một bộ sưu tập vĩnh viễn 1.600 đồ vật của thiết kế Ý, từ năm 1927 đến ngày nay. Tập hợp các vật thể mang tính biểu tượng này (đa dạng như một chiếc xe máy 1950 Galletto 160cc và đèn Artemide 1967) là một minh chứng cho sự đổi mới và tinh tế của bộ óc sáng tạo của quốc gia, cũng như bản đồ về sự thay đổi văn hóa và công nghiệp ở nước này.
Alex Wexelman đóng góp báo cáo bổ sung cho bài viết này.
